domingo, 27 de febrero de 2011
Maxi Opacus, Versión 2.0
"Just MAD". Little Gallery.
Un trío de "Caballeros In-Morales" presentan: El SANTO
Tony Gatlif.
jueves, 24 de febrero de 2011
Cortometraje en el cine Palafox
miércoles, 23 de febrero de 2011
La suerte de Doce más uno
El próximo día 24 de Febrero, en la sala B de la Real Escuela Superior de Arte Dramático se estrenará la obra Doce más uno escrita por Javier Pastor. Esta hilarante comedia nos mostrará las dos caras de la fortuna y como esta golpea una y otra vez a sus personajes.
“La buena ni la mala suerte existen. Es solo una cuestión de actitud ante la vida”, apunta el dramaturgo. “Así el noventa por ciento de lo que nos sucede depende exclusivamente de nuestras decisiones. Y esto determina en mayor o menor medida como va a ser nuestra vida de afortunada o desdichada”, concluye Pastor.
Bien es sabido que se necesita mucha virtud para sostener la buena suerte y alejar la mala. Sin olvidar, la valentía de afrontar la vida con una sonrisa; así la moraleja del vaso medio lleno o medio vacío se presenta ante nosotros a cargo de este dramaturgo y de su propuesta escénica que gira en torno al mundo del comic como hilo conductor del montaje tanto en escenografía, iluminación y estilo interpretativo.
Un teatro para divertir
“El hacer comedia significa estar muy atento a un aspecto claro: el ritmo”, afirma Pastor. “Algunas escenas han supuesto muchos quebraderos de cabeza, ya que para conseguir ciertos efectos cómicos he tenido que trabajar casi desde el rigor de una coreografía”, añade el dramaturgo.
Doce más uno gravita dentro de un sorprendente mundo donde la acción y el cuerpo se vuelven fundamentales. Los juegos de palabras, la caricaturización de los personajes y la síntesis estética conforman el espacio creado en esta ocasión por Javier Pastor y con el que espera que pasemos un momento agradable.
“Diversión: es la palabra que define el montaje”, concluye Pastor. Y esto es lo que nos encontraremos en la sala B (García Lorca) el último día del ciclo de Muestra de Piezas Breves de los alumnos de 4º de dramaturgia.
P. Ugrumov
Perros en Danza
María Velasco autora de esta bellísima pieza teatral, ha hecho posible que su texto cobre la vida que ella mismo entregó al escribirlo, y así fusionado a las ideas de Garnacho y a todo un gran equipo humano y artístico ha surgido lo que sin duda se preve un éxito que espero disfrutemos, porque entre otras cosas, concluye Garnacho.
martes, 22 de febrero de 2011
Se estrena "No haberte muerto", Hitler cuentacuentos en un cabaré
Hoy día 22 de febrero a las 18:30, se estrena en la sala García Lorca de la RESAD la obra No haberte muerto, escrita y dirigida por Ricardo Salamanca, estudiante de cuarto curso de la RESAD Con la actuación de Ismael Carreño, Sabina Coira, Txabi Pérez, Alfonso Enjuto, Catalina Pueyo, Lidia Rodríguez, Gonzalo Gordon, Luis Lara, y coordinación de iluminación de Pau Ferrer Garrofé.
Ironía trágica
La obra es una reflexión sobre la religión cristiana y su moral en desuso y obsoleta. Nada de inmovilismo, a divertirse. Para comprar cosas en el infierno hay que pagar con pequeñas dosis de ingenio y los que allí se encuentran son gente particular. "Algunos de los que andan por el infierno son una monja, supermán o Hitler, que trabaja de cuentacuentos en un cabaré", comenta el director.
"El personaje protagonista está inspirado en Franco. Pero por analogía es un padre de familia, que representa la sociedad. La penitencia de este hombre consiste en que debe hacer lo contrario a lo que ha hecho en la vida. Si ha sido un tipo que daba órdenes, ahora es empleado de la limpieza."
"Hay un personaje principal, ese padre de familia autoritario, muy religioso, estricto y disciplinado. Se muere y, en vez de ir al cielo, va al infierno. Él no lo concibe y lucha por salir. Finalmente se da cuenta de que ahí es donde debe estar". Para concluir, el director avisa: "no es una comedia ligera, los personajes sufren y eso es lo que hace reír".
viernes, 18 de febrero de 2011
Aufhebung (suprimir para conservar)
jueves, 17 de febrero de 2011
Escuchemos la tierra
La RESAD en su ciclo de muestra de piezas breves presentará el viernes 18 de Febrero a las 12.00 hrs, en la sala B, la obra Susurros de la tierra de Alejandra Venturini. En este montaje la joven dramaturga y directora nos revelará la vida de una familia, en pleno proceso de dictadura, que intenta encontrar a un pariente tras su detención a manos del poder.
“La obra es, sin duda, una tragedia”, señala Alejandra. “Y aunque mi proyecto es de un gran compromiso político, no tengo la intención de adoctrinar a nadie”, afirma la dramaturga.
El llamado en esta oportunidad es a no olvidar la memoria, que a fin de cuentas es nuestra historia. Así, en Susurros de la tierra nos adentramos en el tema de los detenidos desaparecidos y a la problemática de las fosas comunes. Una situación que nunca más puede ocurrir y que da pie al montaje.
Tragedia y poesía
Un texto cercano a la poesía de Lorca, tanto en lo formal como en el contenido y una puesta en escena comprometida con el pasado, es lo que nos propone Alejandra en esta ocasión. “Es un tema delicado y lo he realizado, sin duda, con el mayor respeto”, apunta la dramaturga.
En el montaje el espacio sonoro y la iluminación son fundamentales. Estos crean lugares y ayudan a construir el estado anímico de los personajes. “Se trata de una puesta en escena simbólica donde los elementos se mueven dentro del espacio según se avanza en el conflicto”, afirma Alejandra, “Hemos trabajado con los objetos y la escenografía intentando unificarlos desde el comienzo. Es decir, escenografía, actores y objetos tienen una presencia en el espacio que resignifican el sentido de la obra”, sentencia la directora.
“La finalidad de mi montaje es abrir el debate, levantar los muros que impone el silencio y el miedo”, concluye la dramaturga. En si, un montaje que presenta la difícil relación de unos y otros. Y con esto, lo que nunca debemos olvidar, el respeto hacia el prójimo.
miércoles, 16 de febrero de 2011
Nosotros los vivos
¡Y digo yo Sr Larra…a ver qué pasa!
martes, 15 de febrero de 2011
La escena de los escritores
La ignorancia nos convierte en la nada
lunes, 14 de febrero de 2011
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Nosotros los vivos
"NOSOTROS LOS VIVOS" de SALADINA JOTA
(Los muertos son inofensivos)
por Habaguanex
La sala Garcia Lorca de la RESAD se teñirá de rojo sangre.
La propuesta escénica de la Dramaturga Saladina Jota, será la portadora de todos los ingredientes necesarios para que en pleno siglo XXI asistamos al estreno de una tragedia en toda regla. El próximo 14 de febrero a las 12:30 am, dentro del programa de representación de obras escritas por los futuros egresados del curso 2010-2011, en la especialidad de Dramaturgia, se nos permitirá que la magia de un texto, en mi opinión impecable nos cautive.
Conseguir que una propuesta teatral trágica, que además cuenta una historia pasada inspirada en raíces bíblicas, atraiga el interés del espectador de hoy, es todo un reto. Las características y modos de vivir nuestros, nos hacen ver las grandes obras literarias y dramáticas de la antigüedad arcaica y reciente, como indiscutibles piezas artísticas, pero con una visión arqueológica y museística sobre las mismas. Solo los nuevos montajes y concepciones de puesta en escena, así como las virtuosas excelencias interpretativas, nos resultan dignas de novedad y elogio presente.En el caso del texto que nos ocupa, su autora ha sido capaz de mostrarnos una gran vigencia y cercanía. La inserción de elementos terribles, pertenecientes a la historia contemporánea de la humanidad, impiden que nos acerquemos a él de una forma únicamente anedótica. En ella impera el hermosísimo lenguaje empleado, en una bella y a la vez horrenda historia, que con el solo hecho de ser leída nos predispone favorablemente para asistir a su representación. Concluyendo entonces, que si está tan viva la fábula en la palabra escrita, cuánto más no lo estará, convertida en texto declamado y matrimoniado con la práxis. De igual modo Saladina, es capaz de transportarnos a bellos parajes tan solo con la imaginación, a partir de unas formas descriptivas absolutamente excepcionales. La autora, nos deja un mensaje, si bien duro, también hermoso. Hay esperanzas mientras exista el sacrificio humano en pos de preservar la justicia para con su semejante.
La tragedia del presente
Me pregunté al conocer el argumento de esta obra ¿Por qué no una tragedia de temática actual?. “Me he inspirado en la mitología bíblica porque es mi cultura, a ella pertenezco”, me responde Saladina. Y tiene razón, podemos transmitir de mejor y más eficaz modo lo que nuestra referencia más cercana nos aporta. Es imposible plasmar con auténtica verdad algo que nos es demasiado ajeno. Podemos intuir, elucubrar, pero la inspiración tiene que ser familia de nuestra vida.Un ejemplo del acercamiento de Saladina al público que contemplará una historia lejana, es el que inteligentemente utiliza, incluyendo el calificativo de El jinete amarillo al personaje más sanguinario de su obra. Este nombre da título a una de las novelas más sangrientas concebidas en el siglo XX, escrita además por su propio protagonista, el escritor Boris Savinkov, que fue responsable de los asesinatos más espectaculares a funcionarios imperiales entre 1904 y 1905, y quien los plasmó inescrupulosamente en dicho documento. Este testimonio es hoy, un símbolo de la barbarie humana. El mismo provinene paradójicamente de un hombre líder en la lucha para la organización de Partido Socialista Ruso.Con estrategias cómo esta, la autora nos dice que despertemos, que La tragedia de la humanidad no ha acabado, siguen sucediéndose los capítulos y las sagas, pero somos incapaces de darnos cuenta, o peor aún, no queremos. A pesar de que somos de un modo u otro, personajes de la misma.
Inquietudes de los autores.
Es imposible la omisión por mi parte al estar delante de una obra de arte, el cuestionamiento sobre cuáles han sido los motivos que despertaron la inspiración de su creador, ¿qué se propone transmitir, cual o cuales novedades cree que aporta, en este caso, al género teatral más antiguo de occidente?. Fue así que mi pregunta surgió nada más tener delante a la Dramaturga. “No pretendo ser novedosa, no es eso lo que busco al escribir mis obras”. Me responde sin vacilar. Le insisto que todos los artistas quieren y pretenden aportar algo, a lo que Saladina me contesta: “Yo no quiero ser artista, deseo ser una profesional que sea capaz de contar historias de forma eficaz. “Mi respeto a los artistas es enorme, para serlo es necesario muchísimo estudio, y me es muy difícil porque también quiero vivir”.Más adelante en la entrevista, la artista de una fuerte personalidad, me revela que ha elegido la tragedia como colofón de su etapa de estudiante de Arte Dramático, ya que es el resultado de un interés casi innato en ella por el tema de la violencia entre los seres humanos. No concibe por qué tras siglos de existencia, no somos capaces de evolucionar como hicimos en el terreno biológico, científico y cultural. ¿Por qué aunque incapaces de agredir a otros en muchos casos, también lo somos para solidarizarnos con el que es víctima de la brutalidad y la injusticia, será que por mucho que nos empeñemos, en gran medida conservamos ese instinto animal, pero que a diferencia de ellos que matan para comer, nosotros lo hacemos por egoísmos, ambiciones y banalidades? A todo esto recibo la respuesta de nuestra autora: “La única posibilidad para explicarlo, es que el que ejerce la violencia esté mutilado emocionalmente” “No he entendido jamás, cómo alguien que ha sido víctima, se convierta en verdugo luego, el ejemplo de los judíos es una prueba feasiente de ello” concluye.
Una Catársis necesaria.
En los modélicos estudios de la Poética Aristotélica, su autor nos insiste en el objetivo y finalidad de la tragedia. De él sabemos que toda obra trágica debe provocar en el espectador un profundo estremecimiento, experimentándolo a través de la compasión y del temor. Viendo de este modo, que no es absolutamente imposible que él, o alguien cercano sentimentalmente hablando, sufra una situación semejante. Es decir hacerlos mejores personas.Según estas pautas sería interesante cuestionarse la función que tendría para el espectador actual la tragedia, y el objetivo final que respecto a ella tiene su autor. La Dramaturga nos revela de forma contundente su visión de Catársis moderna: “Quiero que en el espectador de hoy surja la reflexión al contemplar una obra, en la que el historial violento del hombre, ha engendrado aún más violencia. Que llegue este mensaje a su cerebro, y se conecte directamente con sus entrañas, con la parte más humana”. He entendido en las palabras de la autora, que la finalidad de su obra es, que en “Nosotros los vivos” haya un despertar de conciencia, y reconozcamos que en el mejoramiento humano está el triunfo del llamado “Homo sapiens”.
Habaguanex
viernes, 11 de febrero de 2011
Última hora
jueves, 10 de febrero de 2011
Fragmentos La noche buena Larra
Junto a la tumba de Larra - Ernesto Gimenez Caballero
domingo, 6 de febrero de 2011
El receptor del nuevo arte
«Consoladme.»
«Distraedme.»
«Entristecedme.»
«Enternecedme.»
«Hacedme soñar.»
«Hacedme reír.»
«Haced que me estremezca.»
«Hacedme llorar.»
«Hacedme pensar.»
Tan sólo algunos espíritus selectos piden al artista:
«Escribid algo bello, en la forma que mejor os cuadre, según vuestro temperamento.»
Antecrítica: MANOLE SOMOS TODOS
jueves, 3 de febrero de 2011
La nochebuena de 1836
martes, 1 de febrero de 2011
Antecrítica
La distancia más corta entre dos puntos es la muerte, escrita y dirigida por Félix Estaire, sube al escenario.
El estreno, que tiene por fecha única, el día 16 de febrero a las 12 horas, en la sala B de la RESAD, genera muchas expectativas। La obra gira en torno a una pareja que ante una desgracia, es incapaz de reconstruir su realidad. Tras tres días de encierro, en un intento por recuperar la comunicación y el equilibrio, estos personajes se despedazan y rearman mutuamente en un viciado círculo sin salida.
El joven dramaturgo Félix Estaire, plantea nuevos retos, problemas y preguntas। “Cuando la desgracia es descomunal a los ojos del ser humano, ¿cómo gestionamos el dolor?”-reflexiona Félix-“Me veo incapaz de gestionar determinadas desgracias, los procesos de escritura son para limpiar y para buscar” afirma.
La distancia más corta entre dos puntos es la muerte, es el primer trabajo en el que Estaire se conjuga como autor y director। La obra parte de unos parámetros de interacción diferida en la que los personajes intentan comunicarse con la verdad, pero no encuentran el camino a seguir hacia esa verdad.
Una puesta experimental
La pieza, interpretada por Ignacio Jiménez e Irene Montes, explora lenguajes divergentes para comunicar el silencio, la omisión y la culpa. La danza y el gesto repetitivo, complementan la partitura de la palabra, en una interacción de distintas calidades expresivas.
“Es un experimento que cabalga en los límites del teatro y la danza”-dice Estaire- “Pretende reflexionar a partir de la palabra, el gesto y el vacío que se produce entre ambas”-apunta।
El autor, que se ha formado ampliamente en danza con Mónica Valenciano e interpretación con José pedro Carrión y John Strasberg, se arriesga con una apuesta que no se queda anclada en un código de actuación determinado, sino que se arroja a la investigación de la mano de sus actores, para hallar un mundo propio donde situar la trama। “Buscaba romper con algo dramáticamente causal” -comenta- “Me gustaba siempre lo fronterizo, lo que cabalga entre una cosa y otra” -afirma el autor.
La concepción del montaje, dotada de diversos tintes en cuanto a fondo y forma, busca lo escénico que hay entre las brechas del texto, entre los vacíos que unen el texto।
ÁNGEL DE AZA
Estreno el 16 de febrero a las 12 horas,en la sala B de la RESAD.